O jornailsta e escritor Luciano Trigo colocou hoje lá no blog dele essa post/entrevista c Zerbini.
O artista plástico Luiz Zerbini tem sua obra multifacetada analisada em livro
Esculturas, instalações, vídeos, fotografias, cenários, ilustrações, textos e composições sonoras integram a obra multifacetada do artista plástico Luiz Zerbini, mas ele se define sobretudo como um pintor. Com uma visão de mundo extremamente particular, Zerbini usa diferentes linguagens e técnicas para explorar as relações entre imagens, sons e palavras. Desde 1995, integra também o coletivo multimídia Chelpa Ferro, ao lado dos artistas Barrão e Sergio Mekler, criando instalações sonoras. Mas o que mais chama a atenção em sua obra são mesmo seus quadros, de uma paleta rica e luminosa, nos quais se alternam cenas domésticas, paisagens naturais e urbanas e imagens abstratas, com padrões geométricos que convidam à contemplação – sempre com um olhar inesperado sobre as coisas.
Luiz Zerbini é o novo volume da coleção Arte BRA (editora Aeroplano, 192 pgs. R$35), que também inclui títulos sobre os artistas Marcos Chaves, Raul Mourão e Lucia Koch. O livro traz ensaios e reproduções que fazem uma espécie de súmula da obra desse artista paulista de 51 anos, radicado no Rio desde o início dos anos 80. Nesta entrevista, Zerbini reconstitui sua trajetória e fala sobre o momento atual da arte brasileira.
– Como você, sendo pintor, lida com a idéia da morte da pintura, que é um tema recorrente na reflexão sobre a arte nos últimos 50 anos?
LUIZ ZERBINI: Vejo com bons olhos. Desde de que a pintura morreu, eu nunca deixei de pensar nela um unico instante. Gosto da ideia de que ela tambem morra. E sinto um certo orgulho por ela ter sido a primeira a ser sacrificada. É justa a importancia atribuida a ela. Logo em seguida à sua morte, naturalmente morreu quem falou isso, e em seguida a música, o cinema e a literatura. A instalação já nasce morta.
Sempre me favoreceu considerar que pintar é uma causa perdida, assim como tudo na vida. Quando pinto não tenho intenção nenhuma de fazê-la renascer. Não existe defesa a ser feita. Para mim não é uma questão de tomar partido. Não existe um ponto final com a sua morte. É um fato, um dado a mais para a História. Pintar é dialogar com espiritos. vivos e as vezes mortos.
Nesse livro que acaba de ser lançado, que faz parte da coleção arteBra junto com Lucia Koch, Raul Mourão e Marcos Chaves, tem um pequeno texto que escrevi sobre esse tema que diz assim:
Minha música, a pintura
a única que ainda me atura
ambas já mortas a essa altura.
– Na infância e adolescência você teve aulas de pintura, aquarela e fotografia. Fale sobre as lembranças marcantes dessa fase e sobre a influência desses anos de formação.
ZERBINI: Na sala da casa do meus pais havia um sofa confotavel que ficava de frente para uma televisão. Atrás desse sofá uma mesa com um abajur. Uma lembraça marcante que tenho sou eu criança, sentado nessa mesa, desenhando todas as noites, enquanto eles assistiam ao noticiário.
Outra lembraça foi meu encontro com José Antonio Van Acker, um pintor figurativo, colorista que sempre andou à margem das principais galerias, instituições e coleções. Só o MASP tem obras suas. Com ele aprendi a pintar a óleo. Depois encontrei Dudi Maia Rosa. Entendi que artistas podiam ser felizes, ter familia e uma casa ensolarada com jardim. Outro encontro foi Leonilson que conheci na FAAP, com quem aprendi muita coisa. Amigo, com quem dividi atelier durante alguns anos.
– No início dos anos 80, após se mudar para o Rio, você trabalhou como cenógrafo e fez performances em bares. qual era o seu projeto, naquele momento? Já se sentia (ou se definia como) essencialmente um artista plástico?
ZERBINI: Não tinha um projeto. Foi uma época onde muita coisa estava acontecendo, e quis ficar no Rio. Foi quando comecei a fazer outras coisas, alem de pintar.
– Como foi sua inserção na chamada Geração 80? Quais foram os encontros determinantes, com quem você dialogava? O que representava, como você entendia a Geração 80? E como você a enxerga hoje, retrospectivamente?
ZERBINI: Como vai você, Geração 80? foi o nome de uma exposição que aconteceu no Parque Lage em 1984, que pretendia, dentro do possível, mapear a produção artistica do Rio de Janeiro e São Paulo. A exposição durou um final de semana ou uma semana inteira, não lembro. Esse título passou a ser uma marca forte, que parece ter um significado que vai muito além do simples título de uma exposição de final de semana. Geração 80 para mim passaria a ser sempre associada a uma frase que ouviria de tempos em tempos durantes as três décadas seguites: a volta à pintura.
Na sua maioria os artista eram pintores, mas se repararmos nos nomes que participaram da exposição no inicio de suas carreiras e continuam a atuar até hoje, veremos que esses artistas não se firmariam apenas como pintores naquela década de 80, mas também nas seguintes, de 90 e 2000, portanto existe um erro aí, a coisa era bem mais equilibrada.
Na década de 80 os artistas privilegiados foram os pintores por uma questão externa ao potencial da totalidade dos artistas da época. O mundo, principalmente Estados Unidos e Alemanhã, apostaram em jovens pintores figurativos e grafiteiros incluidos então no mercado de arte. Aqui não foi diferente, privilegiou-se a pintura pela facilidade. Esculturas e instalações eram vistas sem interesse por galerias comerciais, por motivos óbvios, e espaços públicos não existiam.
Ouvi muitas vezes usarem o termo Geração 80 como um adjetivo, como se fosse um tipo de pintura, um estilo, sempre referindo-se a pinturas de péssima qualidade. Isso tudo atrasou o entendimento do que já estava acontecendo no Brasil desde muito tempo e que agora, nos dias de hoje, é fácil perceber. A ditadura política interrompeu esse processo, e a euforia de estarmos vivendo a volta da liberdade deixou o Brasil cego para o que não fosse pintura e miope para a boa pintura. O caos imperava, e as festas eram sempre muito boas.
A tentativa de se criar um mercado ou de inserir o Brasil no mercado internacional atrasou e atrapalhou pintores e não-pintores, mas se entendermos o que se passa hoje em dia no mundo das artes, com seus exageros, como uma coisa positiva, o que aconteceu nos anos 80 foi necessário, ali nascia o modelo do que estamos vivendo agora.
Eu me mudei para o Rio em 1982. Vim de São Paulo, onde conheci Leonilson, Leda Catunda, Sergio Romagnolo e Ciro Cozzolino, que tinham uma sala especial dentro da exposição. Fora esses artistas, me aproximei de Daniel Senise, Angelo Venosa, Beatriz Milhazes, Ricardo Basbaum e Barrão, atualmente meu parceiro no Chelpa Ferro. Mais tarde, em 1985, conheci em São Paulo Carlito Carvalhosa, Fabio Miguez, Rodrigo Andrade, Paulo Monteiro e Nuno Ramos, da Casa 7. Da exposição participaram ainda João Modé e Eduardo Kac, entre outros muitos, mais de 100, talvez 200. Jac Leirner eu já conhecia da FAAP, onde estudei
Vendo retrospectivamente, a Geração 80 não foi um movimento. Foi um acontecimento isolado de final de semana que ganhou importancia por uma conjunção historica, a abertura política. Não foi uma década só de pintura, e não foi uma resposta a nada. Sempre ouvi dizer que a Geração 80 foi uma resposta ao que se fazia antes, nos anos 70, mas nunca ouvi nenhum artista dizer isso. Ouvi sempre que tínhamos os artistas da geração anterior como referência – Antonio, Barrio, Vergara, Shiró, Cildo, Ligias, Helio, Waltercio e Tunga.
Ou seja, a Geração 80 não exisitiu, assim como não existe a 70 nem a 90 etc.
– Como se deu a passagem da pintura para outros meios, em que contexto ela se deu e qual foi a sua motivação?
ZERBINI: Sou um pintor, penso como um pintor mas não estou limitado a pintar telas. Não houve um momento de transição. Sempre fui assim. Para mim a maior caracteristica dessa geração, se é que existe uma, é a construção e expressão de um pensamento não-linear.
Desde a minha primeira exposição individiual, no Subdisrito em São Paulo, expus instalações. Continuei fazendo isso nas minhas exposições seguintes. Participei da Bienal de SP de 87 com uma instalação e faço instalações até hoje, mas continuo sendo lembrado sempre como um pintor.
– Qual a idéia do chelpa ferro? As criações são efetivamente coleivas? De que forma o trabalho no chelpa se diferencia das suas criações individuais?
ZERBINI: A ideia era trabalharmos em grupo com som. Além de nos divertir, fazer o que estávamos a fim de fazer, sem compromisso.Não tínhamos a pretensão de continuar como grupo por tanto tempo. No início pensei que cada um contribuiria com o que sabe fazer melhor, mas não foi o que aconteceu. Todo mundo fazia tudo. Só agora, muitos anos depois, é que vejo uma posição mais definida de cada um dentro do Chelpa. Nós nos conhecemos há muito tempo, bem antes de o Chelpa existir, e sempe foi fácil para a gente trabalhar junto. Alguém joga uma ideia na roda, e ela vai mudando rápido com a participação dos outros. Se a ideia vingar éporque é boa.
Diferente do meu trabalho individual, o Chelpa começa um trabalho a partir de uma ideia, enquanto na pintura a coisa acontece no dia-a-dia do atelier. O que é comum aos dois é que solucionamos as questões de maneira intuitiva.
– Você trafega entre muitas técnicas, temas, materiais e linguagens, da figuração á abstração, da arte popular à conceitual, a ponto de ser difícil identificar um estilo que unifique tudo. O que significa para você a palavra estilo e como você definiria o seu estilo pessoal?
ZERBINI: Eu não me defino, sou a soma de tudo isso. Durante os anos em que trabalhei no meu livro Rasura, lançado em 2005 e que levei 10 anos pra terminar, fui obrigado a fazer uma releitura dos meus trabalhos associando imagens a ideias e textos. Percebi que a experimentação estava ligada à vontade de criar relações entre as coisas, de fazer associações. Trafegar por tecnicas e linguagens diferentes não é regra mas circunstância, necessidade natural.
– Como você analisa a situação atual do mercado de arte contemporânea? como enxerga o papel dos curadores, dos críticos, das galerias?
ZERBINI: Acho que o mercado esta num ótimo momento, principalmente no Brasil. O mercado visa o lucro, e estamos falando de política. Acho que, nos últimos 20 anos, conseguimos construir uma cena que começa a se solidificar. Curadores, críticos, galeristas e instituicões conseguiram, com algumas edições bem-sucedidas da Bienal de São Paulo – mais o fato de artistas brasileiros, primeiro Helio Oiticica e depois Cildo Meirelles, Ernesto Neto, Beatriz Milhazes e Adriana Varejão entraram definitivamente no cenario mundial, com o reconhecimento da qualidade de seus trabalhos e com exposições nas melhores galerias e museus do mundo. E ainda, instituições e patrocinadores apoiando grandes exposições retrospectivas de grandes mestres, artistas estrangeiros no Rio e em São Paulo. Isso tudo fez com que o Brasil se colocasse como um centro de arte contemporânea importante do mundo.
Nos anos 60, Tom Jobim gravou com Frank Sinatra uma versão de Garota de Ipanema que vendeu milhões de dólares no mundo todo. Reza a lenda que a gravadora obrigou Tom a assinar um contrato com uma gravadora no Brasil para poder receber o dinheiro que lhe cabia pela gravação, caso contrário a gravadora não pagaria. Isso teria mudado a história da musica brasileira. O mercado fonográfico passou a existir do jeito que é até hoje a partir daquele momento. Antes disso, o sujeito subia o morro e comprava um samba com dinheiro vivo.
Acho possivel pensar as artes plasticas no Brasil como a musica. O primeiro passo é a profissionalização. Eu entendo totalmente que o acelerador de particulas exerça um facinio sobre as pessoas, mas não existe nada tão sofisticado quanto uma pintura. Como bem disse o professor Agnaldo Farias, todo o pensamento filosófico ocidental foi construído, pensado a partir da observação de pinturas. Pensadores escreveram tratados filosóficos a partir de pinturas. Olhando para uma tela. Isso é incrivel.
Sinto muita falta de o Governo entender o que está acontecendo e deixar de lado essa história de que artes plásticas é coisa da elite – e entenda, por exemplo, que a Bienal de Veneza é importante como politica exterior, mais do que intermediar um acordo com o Irã. A Bienal tem um reflexo direto no valor cultural do país. Governos do mundo todo brigam para que seus artistas estejam bem representados e os consideram patrimônio. Gostaria que, ao invés de R$25.000, que foi o que o Chelpa Ferro recebeu para fazer o trabalho no ano em que participou de Veneza, recebesse U$5.000.000, que foi o que o governo francês deu a Anette Messager, que ganhou o Leão de Ouro. Vai longe o tempo que um artista vencia na vida por um talento nato, um dom. Hoje tudo se ensina na escola. Até grafite. As coisas se constróem com parcerias. Não tenho saudade nenhuma de quando as pessoas achavam um absurdo que o Abaporu tivesse sido vendido por U$32.000, carissimo, diziam. Como uma pintura mal feita custa tanto dinheiro…
Acho maravilhoso que uma pintura da Beatriz Milhazes valha U$1.000.000, e devemos torcer que ela valha tanto quanto uma de Gehard Richter, e que essa diferença não se dê pelo fato de um ser uma mulher brasileira e outro um alemão.
– Fale sobre a experiência de ilustrar alice, de Lewis Carroll.
ZERBINI: Acho, ao contrário do diz a própria Alice no começo da história, que esse livro não precisa de ilustrações. É impossivel competir com a profusão de imagens que uma única frase contém. Parece desnecessário. As ilustrações reduzem tudo a uma imagem.
Demorei dois anos fazendo, e apesar de o livro já estar publicado não o considero pronto. Penso nele ainda hoje como um trabalho que estou fazendo e não terminei. Ainda estou dominado por ele, penso nele toda hora. Gostaria de desmontar o livro, de escrever por cima das ilustrações e desenhar por cima dos textos. Foi surpreendente que eu tenha conseguido. Eu sempre achei que seria incapaz de ilustrar uma história que não fosse minha propria história.
