Maria do Carmo Pontes, a correspondente avançada do b®og em Londres (com foto e micro-perfil aí na barra lateral), mandou esse breve post diretamente de Lincoln… Lá vai:

Sobre aliens e alienação 

Numa visita recente a Usher Gallery em Lincoln, me deparei com este texto de parede fantástico numa das salas, que continha obras ligadas a conflitos. O museu é uma grande miscelânea, com vidros de murano ao lado de obras do Grayson Perry, vestimentas vitorianas e pinturas do grande herói da Inglaterra, J. M. W. Turner.

Maria do Carmo Pontes, a correspondente avançada do b®og em Londres (com foto e micro-perfil aí na barra lateral), mandou a décima coluna MC LDN diretamente de Paris… Lá vai:

Huyghe & Parreno

Giovana Maria Sebastian. À porta da exposição do Pierre Huyghe, no Beaubourg, em Paris, um homem anunciava a entrada de cada um dos visitantes pelo primeiro nome, introduzindo uns aos outros e, a todos, a teatralidade da mostra. Concebida como uma retrospectiva de meio de carreira do artista francês, a exposição reúne trabalhos produzidos nos últimos 20 anos, como o belíssimo Recollection (2011). Este consiste num aquário com um caranguejo-ermitão (espécie que vive em conchas de caracóis abandonados) que se apropriou de uma reprodução oca da Sleeping Muse (1908), de Brancusi, e fez dela sua casa; por onde quer que o caranguejo vá, ele carrega consigo a icônica cabeça da musa. A mostra conta ainda com performances ocasionais e outros trabalhos marcantes da carreira do artista, como obras da série Untilled (sic), apresentadas inicialmente na dOCUMENTA 13 (2012), e No Ghost Just a Shell (1999-2003), em parceria com o Phillipe Parreno, que oferece o uso da imagem da mangá Annlee (adquirido pelos artistas) de graça para outros artistas criarem obras com a boneca. Para além de trabalhos individuais, a mostra prima pela maneira como os encadea, colocando grande ênfase no pano de fundo da exposição, isto é, a arquitetura. Essa estratégia é radicalizada na mostra Anywhere, Anywhere Out of the World, de Phillipe Parreno, não por acaso em cartaz ao mesmo tempo que a mostra de Huyghe, no Palais de Tokyo, também em Paris. Parreno respondeu de forma sagaz ao convite de ocupar integralmente o espaço do Palais, criando uma coreografia de luz e som cujo alcance excedia a própria fisicalidade dos materiais, perpassando as salas do museu. Porões e outros ambientes que não são comumente abertos para exposições estavam acessíveis, orquestrando um verdadeiro labirinto que por vezes levava a becos sem saída. Ocasionalmente os visitantes encontravam obras, tanto de Parreno quanto de outros artistas da gang: Huyghe, Tino Sehgal, Dominique Gonzalez-Foerster – cuja estante falsa La Bibliothèque Clandestine (2013) esconde uma sala secreta contendo desenhos de Merce Cunningham e John Cage, poderosíssimos em sua ingenuidade – entre muitos outros. Foi emocionante me perder pelas entranhas do museu, me deparar com trabalhos como Zidane: A 21st Century Portrait (2006), de Parreno e Douglas Gordon, que eu tive o prazer de ver pela primeira vez as 17 projeções ao mesmo tempo. Cada um a seu modo, Huyghe e Parreno conceberam exposições surpreendentes onde, em ambos os casos, o meio é a mensagem.

Gabriel Orozco’s currently exhibition at the Beaubourg presents some fantastic artworks by the Mexican artist, conceived from the early nineties to the present. Very sadly, their display pauperize them. The show’s architecture is formed by two long lines of sculptures on the centre of the room (one over tables and the other from the floor) together with actors and paintings, photographs, collages and drawings on the walls. The exhibition takes place at the Galerie Sud, where half of the walls are glass façades, allowing the passers-by of the street an external visualization of the show, inciting them to come inside and look at it closer. But in a large extent this closeness is never achieved, hence inside the gallery two guards insistently reminds the visitors of a generous black line on the floor around the sculptures not to be crossed. The duo wears Mexican police outfits, being themselves an artwork (Imported Guards, 2010), that surveil the pieces and teach the audience how to behave on a museum space.

This 50 cm large air-frontier is specially prejudicial with regards to the works on the three large wood tables queued close to the entrance. The first one is a working table, and unsurprisingly presents the tools and materials that composes the artist itinerant studio. The other two presents small dimensions sculptures, such as Horses Running Endlessly, 1995. This piece consists on a wood chessboard composed by knights only, where the average black and white opponents share the field with other two colours chessmen, each with their correspondent colour-square in the board. This beautiful piece suggests that despite the dichotomy defended voraciously in war situations (and increasingly outside of it as well), there is an entire subtle scale between us and them. For its proportion, this work can be fully appreciated from outside the keep-away line. However, the same is not true in respect to Dial Tone, a 1992 sculpture composed of telephone directory pages written with tiny characters. Unless the visitor reads the captions, which can be found both on the exhibition leaflet and on the entrance wall, or knows it from previously experiences, the piece is indecipherable. Whether this authoritarian distance is an intentional institutional critique or just lack of care is not important: the hiding strategy is successful in a narrative only as long as it doesn’t compromises the comprehension of the whole.

The variety of medias and versatility of materials within medias reinforces the artist multidisciplinary ability. Among the floor sculptures is Moon Tree, 1996, where circle white papers embraces – and will eventually fall with – the leaves of a two metres tall tree, overflowing poetry and delicacy. Hanged on the wall amid the photos is the simple and powerful diptych My Hands Are My Heart, 1991, where we see a naked male’s chest with his hands enclosing and hiding something in front of it; the next frame reveals the interior to be a heart of cleyey shaped with fingers, that the man now offers to the viewer. Although it is always a joy too see Orozco’s work, while presenting a small slice from each field of his practice the exhibition ended up being clunky: too small for a retrospective, too vast for an unpretentious show.

Maria do Carmo Pontes, a correspondente avançada do b®og em Londres (com foto e micro-perfil aí na barra lateral), mandou a sétima coluna MC LDN. Lá vai:

In 2007, Brazilian artist, Erika Verzutti, created a sculpture called “Seven Headed Monster”, for her homonymous exhibition at the extinct gallery Blow de la Barra, in London. It consisted on a cold porcelain structure from where seven necks of the same material hanged unfamiliar fruits and vegetables made of bronze, forming a 1.6 m tall sculpture. Three years later, Verzutti decided to curate her own work and invited other artists (whom she admired, rather than had affinity) to each conceive a head for her monster, now presented in even larger dimensions. The only condition was that, as a garden artwork, the heads had to be resistant to weather adversities.

Some of them took the challenge as an opportunity to do a sculpture without any direct connexion to the rest of their practices, taking the collective character of the work as a chance to experiment different materials and forms, or maybe to establish a mimesis relation with Verzutti’s visual identity, attempting to fulfill her expectations. Such was the case of Efrain Almeida’s piece – whose beautiful own sculptures often presents wood animals – who developed a long-neck swan made of plaster and enamel; or Ortega’s head, a formless block made of bread dough which the public was welcome to deform and reform, drawing new shapes.

Other artists printed their marks with a taste of their solo works, not necessarily taking the literality of a head-shape instruction to their designated necks: Alexandre da Cunha and Adriana Varejão responded like that, da Cunha presenting a yellow concrete mixer and Varejão with a cube made of light blue tiles with disconnected eyes. Nuno Ramos made a loudspeaker where a half-drunk man recites a text of his authorship; Ernesto Neto and Carlos Bevilacqua, in another collaboration, thought of a little wood sphere with a white feather on the top – from an albino peacock, they say. Jac Leirner’s contribution was what she believed to be an outdoors work: the head of a classic marble sculpture depicting a woman with a bird’s hat from her own private garden. To this part was added a body of a pregnant woman, an intervention by Erika Verzutti. Besides making the structure and concept of the piece, she also conceived a head of her own: a bronze jackfruit which provided an eighth part to the Seven Headed Monster.

Beyond the specificities and carefully constructed aspects of the individual heads, what is impressive about the piece is the power of the collection. None of the artists knew what the others were going to conceive, or even who they were going to be. Even the monster’s mother didn’t knew how it would look like until the moment that all the pieces were installed. The sculpture has a narrative, resembles a gouache, it is performative, a collage, tests the limits of collaboration as well as attempts a universal art. It is a “ultimate fight”, gathering in itself relevant issues of an exhibition, being the most important of them the ability to negotiate. Certainly not beautiful, but strange, and extremely attractive.

Maria do Carmo Pontes, a correspondente avançada do b®og em Londres (com foto e micro-perfil aí na barra lateral), mandou a terceira coluna MC LDN. Lá vai:


Ernesto Neto
The Edges of The World

Dentre os artistas cuja produção inclui instalações, parece haver um acordo tácito quanto aos temas que devem ser abordados: trauma, sociedade e violência figuram entre os assuntos favoritos. Como uma ovelha negra de sua linhagem, Ernesto Neto concebe a cada nova instalação maneiras inusitadas de acolher o espectador. Em sua nova mostra “The Edges of The World” que até 5 de setembro ocupa o último andar da Hayward Gallery em ocasião do “Festival Brazil” (com z mesmo), Neto concebeu um ambiente onde escultura vira desenho, que vira madeira, depois pintura de parede, água, som, cor e, claro, cheiro.

Logo ao terminar o último lance de escada que conduz à exposição o visitante é fagocitado por um pano de lycra claro sobre sua cabeça como um teto rebaixado, de onde cai um pequeno pêndulo com pedrinhas. Trata-se só da ponta de uma grande rede  de tecidos com vários pequenos pêndulos que perpassa todas as obras expostas. Quatro esculturas de madeira em forma de escada estão dispostas ao longo da mostra, e os espectadores são bem vindos para subir nas escadas e ver a exposição de outro ponto de vista através desta rede de tecidos translúcida. 

Os trabalhos continuam extremamente orgânicos, como é próprio do artista, mas a sua paleta de cores aumentou e agora apresenta tons fortes como vermelho, verde ou roxo. Esta preocupação com cores é justificada na maior instalação presente “Horizonmembranenave”, um túnel de lycra rodeado por uma uma escultura vermelha do mesmo tecido tal qual um coreto, uma escada espiral e um largo tecido verde que, disposto a cerca de 40 cm do chão, percorre todo o lado esquerdo da obra. Em todos os casos, o espectador é convidado a interagir com a obra: pisar, subir e entrar, assim como o é com a escultura central da instalação, onde é chamado a adentrar este túnel sustentado por diversos arcos de Madeira dispostos com intervalos entre um e outro como vértebras. O trajeto segue curvo, formando um espiral que começa laranja e torna-se gradativamente amarelo, verde limão e assim vai, passando por todas as cores do arco-íris numa sucessão de sutilezas e cheiros que desemboca num grande terraço. Nesta área externa o artista colocou um lago e duas cabanas amarelas que servem como vestiário; os visitantes são convidados a trocar de roupa e mergulhar. Os outros dois terraços do andar também foram utilizados por Neto, que armou um jardim num e uma enorme escultura de discos  de aço articulados entre si no outro.

Meio mundo, meio corpo, certamente visceral, a exposição interage com quase todos os sentidos e impressiona por sua riqueza de detalhes e cuidadosos acabamentos. O espectador ao sair da mostra não só esteve dentro do arco-íris como o tocou, viu de cima, cheirou e certificou-se de onde ele começa e acaba. Alguém já criticou Neto por fazer sempre o mesmo tipo de obra. Se esta crítica é válida ou não para olhar a produção de qualquer artista é um outro  e longo assunto. No caso do Neto, de fato os materiais e as formas são parecidas e até repetidas, mas seja no Armory em Nova York, no MACRO em Roma ou na Hayward, o artista se reinventa constantemente: a cada mostra as narrativas se renovam, dialogando com o espaço de forma única e estabelecendo relações que, precisamente por serem orgânicas, se remodelam de acordo com os diferentes ambientes. E ele o faz cada fez melhor.

Serviço: Hayward Gallery
Southbank Centre
Londres, Inglaterra
http://www.haywardgallery.org.uk/

Maria do Carmo Pontes, a correspondente avançada do b®og em Londres (com foto e micro-perfil aí na barra lateral), mandou a segunda coluna MC LDN.

Ela começa assim…

Vi a exposição que narro abaixo em novembro do ano passado no Museu de Arte Moderna de Paris, após sair cabisbaixa da hermética “Chasing Napoleon” no vizinho Palais de Tokyo. Não consegui ver mais nada o dia inteiro, tão absorta fiquei ao conhecer Apichatpong Weerasethakul. A exposição retomou minha fé na possibilidade de emoção nas artes plásticas.

Na semana passada participei de uma conversa com Apichatpong no BFI. Timidamente levantei a mão e perguntei sobre o porque da arma na exposição. Ele disse que quis fazer um paralelo entre a violência real dos filmes com um objeto de plástico. Não me convenceu (na verdade nem ele se conveceu, acho eu, tendo me perguntado se ele havia respondido a minha pergunta após sua fala, ao que respondi que sim, claro, afinal não ia começar uma discussão curatorial na presença de 200 pessoas). Acredito que tenha sido obra de um cineasta inseguro querendo justificar sua presença num museu através de um elemento escultórico. Apichatpong faz com uma graça admirável a intersecção entre o cinema e as artes plásticas. Dois dias antes da palestra ela havia sido premiado com o grande prêmio de Cannes com “Uncle Boonmee Who Can Recall His Past Lives” e neste ano ainda participa da 29a Bienal de São Paulo. Alguns de seus filmes podem ser vistos no site da Animate Projects e mais informações sobre o artista podem ser encontradas no site da sua produtora Kick the Machine. Atualmente ele está em cartaz com Phantoms of Nabua no BFI de Londres.

E aqui o texto dela…

Apichatpong Weerasethakul – Primitive
Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris

Oito filmes, fotografias, desenhos, livros e esculturas compõe a exposição “Primitive”, do tailandês Apichatpong Weerasethakul, inspirada no livro “The Man Who could recall his past lives” , escrito por um monge. As obras foram realizadas em Nabua, um vilarejo no nordeste da Tailândia, e mostram a vida de meninos tardios desta região, ocupada pelo exército tailandês entre os anos de 1960 e 80 para controlar os rebeldes comunistas. Os filmes acontecem na intersecção entre documentário e ficção, onde esses meninos sem pai interpretam a si mesmos para a câmera.

O primeiro filme “Phantoms of Nabua”, é mostrado logo na entrada da exposição. Única obra exposta que não faz parte do projeto “Primitive”, o filme começa com uma paisagem noturna onde há um poste de luz entre árvores. Desce a câmera e aparece uma tela de projeção no chão, seguindo para um plano aberto deste ambiente escuro e rural com repetidos trovões. Um personagem sai de casa e caminha, aparecendo junto a um grupo no local da primeira cena, onde a tela projeta imagens dos trovões como que se agora presos na ficção. Os meninos tascam fogo numa bola e começam a jogar futebol com ela. Conforme passa de um pé a outro, a bola deixa faíscas no chão, e estas são, junto com o poste e a tela, as únicas luzes da cena. Num chute, a bola atinge a tela, que queima lentamente, revelando o projetor atrás. Com este filme Apichatpong apresenta todos os elementos compõe o universo da mostra: luzes, budismo, memória, natureza e a fronteira tênue entre inocência e perversidade. Mais ainda, ao apresentar a ação dentro da ação o artista revela a estrutura da exposição, onde as obras são dispostas de forma a emancipar o olhar do espectador ao papel de agente das obras.

O segundo espaço expositivo apresenta grandes ampliações fotográficas dos personagens dos filmes, uma passagem budista do livro inspirador, livros e uma metralhadora falsa disposta verticalmente a partir do chão. Desnecessário apresentar tantos elementos literais, a introdução dos atores e a presença física da violência. Ao entrar numa porta à direita, o espectador se depara com uma sala onde seis filmes de dimensões variadas são projetados simultaneamente: uma grande tela pendurada no teto logo na entrada, duas telas paralelas logo atrás também dispostas a partir do teto  e outras três alocadas na parede. Alem dos filmes, nesta sala há dois desenhos de casas em fogo na parede expostos como caixas de luz. Ao tornar metade das projeções escultóricas, Apichatpong transforma a leitura dos filmes possível de ambos os lados da tela. Se posicionando no centro da sala, o espectador se coloca no centro da ação, de onde vê o desenrolar de todas as histórias, quase que contínuas ainda que singulares: os trovões que caem repetidamente,  os meninos cheios de energia mas que sem outros meios usá-la, correm, e constroem naves espaciais imaginárias.

Tal qual uma narrativa, o espectador atravessa uma porta anexa a esta sala, e se depara com uma projeção dupla de grandes proporções, que ocorre na nave construída anteriormente. Esta se tornou o habitat desses jovens, lugar de segurança e conforto onde dormem, comem e sonham. A projeção dupla é narrada, com uma imagem complementando a outra e ambas complementando a fala, de forma que cada pedaço dessa dialética fornece um elemento para a síntese, que é ambígua, assim como o é o comportamento desses jovens, já não ingênuos. Em dado momento do filme, o narrador se dirige ao espectador, quase imperceptivelmente, como se perguntando: você me escuta?

Maria do Carmo Pontes, maio de 2010

Conheci Maria do Carmo Pontes na galeria Fortes Vilaça alguns anos atrás (ela trabalhou lá de 2007 a 2009). Depois nos encontramos em outras muitas festas em SP e umas poucas no Rio. Em 2009 ela foi fazer um mestrado em curadoria de arte contemporânea na Goldsmiths em Londres e nos afastamos um pouco, apenas uma conversa aqui por email e uma acolá no Facebook. Semana passada nos encontramos mais uma vez em São Paulo. Resolvemos então interromper esse negócio de festas e trabalhar um pouco. Iniciamos uma reunião rápida na pista de Eliana Finkelstein e terminamos no terraço de Daniel Roesler. Ficou resolvido assim: Maria do Carmo agora assina MC LDN e será a correspondente do nosso querido b®og em Londres, mandando notícias do circuito de arte e resenhas de exposições. Vai mandar também um texto sobre a exposição do Zerbini na Laura Alvim aqui no Rio, outros textos antigos, imagens de exposições, links e pensamentos soltos.

Esse texto de estréia aí embaixo é sobre o evento No soul for sale que inaugurou sexta passada na Turbine Hall, Tate Modern e terminou no domingo.

Mais informações lá no site.

Cada um no seu quadrado

Nem feira nem exposição. É assim que os organizadores de “No soul for sale: A festival of Independents”,  segunda edição do evento iniciado em 2009 na X Initiave, Nova York, e neste ano na Tate Modern de Londres definiam o evento. Os curadores Cecília Alemani, Maurizio Cattelan e Massimiliano Gioni tiveram a tarefa de escolher 70 espaços dedicados a arte no mundo todo para expor no legendário Turbine Hall em ocasião dos 10 anos da Tate. Num espaço de poucos metros quadrados sem paredes e delimitado por fitas no chão aludindo a Dogville, o papa dos independentes, os expositores tinham a liberdade de mostrar o que bem entendessem. Curiosamente, todos decidiram mostrar a mesma coisa, criando assim uma estética do acúmulo e da repetição

Pilhas era o que mais havia: de papel, camiseta, tijolo, fita e objetos achados (afinal, arte contemporânea que se preze tem que ter um ou outro acaso). Se a intenção era otimizar o espaço ou discutir a veloz criação e profusão de imagens na atualidade não era claro, assim como não era clara a razão de certos objetos estarem lá, como brinquedos, bolsas, camisetas e souvenirs (for sale, diga-se de passagem). Muitos dos trabalhos expostos tinham o discurso do fazer aparente, uma necessidade de mostrar a mão do artista no trabalho unida a uma falta de recursos que por vezes acarreta numa estética pobre, de coisa mal-feita.

Neste grande mercado de pulgas das artes era possível identificar alguns bons trabalhos, com destaque para “I have not only sacrificed my soul for this but my time”, do suíço Stefan Sulzer, no stand da Arrow Factory, de Pequim. Trata-se de uma fotografia de grandes proporções mostrando um pôr do sol sobreposto por esta frase, dividida internamente por molduras formando um poliptico de uma imagem só. Ou “Lead, Follow Or Get The Hell Out Of The Way”, pintura de parede do noruegues Marius Engh no stand na editora Torpedo, também da Noruega. Ambas as obras partem de lugares diferentes para discutir questões semelhantes (e relevantes) da contemporaneidade, como tempo, foco e, sobretudo, desempenho.

Nem feira nem exposição. Este encontro independente, ainda que na mais estabelecida das instituições, é importantíssimo para o mundo das artes. Mas a questão fundamental e no entanto abordada só individualmente por algumas poucas obras é aonde esta independência toda está indo. A maioria dos expositores não ambiciona o irascível mercado mas estratégias para permanecer independente num mundo ditado por suas regras. Neste sentido o evento era uma etapa, não um fim em si, tal qual muitos trabalhos ali pareciam em fase de construção e não prontos para serem expostos. Ainda assim, entre performances e obras, o clima que prevalecia era o de um “oba, oba” deslumbrado e desarticulado, onde o papel e as perspectivas de centros de arte independentes não entrou realmente em pauta. O resultado foi mais um capítulo da série “Porque a idéia era boa e a realização foi mediana?”, com sorte pauta para o próximo encontro. Difícil não se identificar com o trabalho de Sulzer ao deixar a galeria.